"Deus Ex Machina" - Avant Premiere - 15/06/07 20.00hs

"Deus Ex Machina"

Avant Premiere - 15/06/2007

20hs - Pje. Giuffra 330 (Microcine)

"Deus Ex Machina" empezó abruptamente un Diciembre del 2004. Muchos de los que integramos el grupo ya habíamos debutado como directores, al menos, de un cortometraje, a pesar de que para otros fuera la primera incursión en el rol. Tenía la idea de utilizar aquel elemento (el "Deus ex machina"), previamente mencionado por Rodolfo Otero en primer año de la cursada de Guión, y no le encontraba una forma adecuada. Quería filmar un largometraje, pero tampoco me sentía capacitado para enfrentar semejante empresa todavía. En una sala de edición, si mal no recuerdo con Maro y quizás con Emi también, la idea surgió: Un largo de cortometrajes en que cada director, a partir de su estética personal encarara el problema del Deus ex machina como fin y no como solución.

Entonces la enumeración de los potenciales participantes del proyecto, la propuesta en general y el desafío en la redacción de los guiones, una primera presentación del proyecto a Mario Santos y a Manuel Antín un 10 de Enero del 2005, el rodaje de "No es un corto de hadas" en mitad de Enero para dar comienzo a todo, la semana siguiente la maratón de rodajes en 5 días de "Etiqueta negra"-"El sueño de la piedad"-"Tefilin", luego una pausa hasta el accidentado y ecléctico rodaje de "Falcon Verde" parte en Febrero y demás partes en los meses siguientes, "Aguante la pizza" en fines de Febrero (para luego ser concluída un mes después), "Ruido" íntegramente en una jornada (si mal no recuerdo, a lo sumo dos) en Marzo, el final modificado de "Etiqueta negra" en Mayo o Junio, y finalmente, para cerrar la etapa de rodajes, "La Copa" con su intenso rodaje en la mitad de Julio.

Luego fue la edición caótica de los cortos por separado, a veces unificados entre Maro y yo, dos o tres presentaciones a Mario Santos con Work in progress y demás (el primero de ellos con un DVD que mágicamente desapareció), la edición de imagen definitiva ya a mediados del 2006 (cuando ya estaba dado por perdido el proyecto por la mayoría de sus participantes), los debates y propuestas para filmar separadores de los cortos, la extensa edición de sonido en Septiembre hasta Enero del 2007, la mezcla de los cortos en Marzo y Abril, hasta su conclusión hace tres o cuatro semanas, en Junio.

Y entonces, "Deus ex machina" es lo que es: un ejercicio de alumnos de 3er año, algunos filmando su primer corto, otros, filmando su primer corto "serio", otros, filmando un corto más, pero todos aprendiendo algo de la experiencia. En algún momento creí que este proyecto había perdido unidad, que había quedado una cosa heterogénea, cuyas partes se repelían entre sí y no eran armónicas en absoluto. Creo que el resultado es heterogéneo, para nada brillante en su forma, creo que hay partes que se repelen entre sí y creo también que hay falta de armonía en general, pero aún sigue teniendo una unidad. Justamente, creo que se llegó a aquel ideal original: Un largo de cortometrajes en que cada director, a partir de su estética personal encara el problema del Deus ex machina como fin y no como solución. Con eso solo, estoy satisfecho. Espero que mis compañeros de equipo: Dolores Montaño, Fabrizio Castro, Emiliano Iglesia Albores, Alejandro Gatti, Leo Senderovsky, Mariano Juarez y Guido Segal, también lo estén.

Y quiero concluír (para quien haya tenido la audacia de leer hasta aquí), agradeciendo a todos los que intervinieron para que esto, con todos los tumbos que ha tenido en el camino, llegue al menos a ser concluído, que sinceramente es lo que más me gratifica. A Mario Santos, por el apoyo de siempre de incluso proyectos tan descabellados como este, a Maria Marta Antín, quien intervino para la proyección a realizarse, a Miguel G. Massenio, quien nos bancó y alineó los planetas para que podamos editar el largo el tiempo que hiciere falta, a Daniel Mosquera y Ana Mouriño, quienes toleraron desde los originales insultos de Juancito hasta "el momento power" de Gatti, con quienes convivimos más de seis meses y siempre fuimos recibidos con la mejor de las ondas, a Matías Gonzales Hidalgo, quien pasó de ser un mero operador de sonido a involucrarse en el proyecto y trabajar con nosotros aportando ideas y opiniones, a Rodolfo Otero por el "deus ex machina", a Luis Facelli por los consejos, y a tanto otros que no llego a nombrar y que ya se verán en los agradecimientos de la pelicula. Desde ya, ¡Muchas gracias a todos!

ZODÍACO de David Fincher

Después de 6 años de espera llegó una nueva película de David Fincher, esta vez basada en un best seller que cuenta la historia del Asesino del Zodíaco que atormentó California entre finales de los sesenta y gran parte de los setenta, hasta terminar a principios de los noventa. Con una duración superior a dos horas y media, la película se puede dividir en dos partes. Una primera investigación encabezada por el policía Toschi (Mark Ruffalo, un grande) y su coequiper Armstrong (Anthony Edwards en un papel con cabello), el periodista policial Paul Avery (Robert Downey Jr, gracioso y adicto a todo) y el caricaturista Robert Graysmith, en el cual esta basado la película, interpretado por Jake Gylenhaal. Esta primera mitad narrada las idas y venidas de la investigación, las pistas falsas o las que se dejan de lado, la burocracia del estado, la presencia de un probable culpable y la imposibilidad de arrestarlo, el descarte de sospechosos, la increíbles cantidad de testimonios y pistas, y los varios asesinatos que produce el asesino del Zodíaco con sus respectivas cartas que manda al San Francisco Chronicle. Hay una segunda parte, a finales de los setenta encabezada por Gylenhaal en su investigación personal de los asesinatos, atando cabos sueltos de una investigación que les consume la vida a sus tres protagonistas.

Sin sus clásicos juegos visuales o sus intrincadas vueltas de tuerca narrativas Fincher usa un estilo más clásico haciendo hincapié en sus personajes y en sus obsesiones. Sin embargo, la perfección de sus encuadres, lo jugosa e interesante de su propuesta sonora (gran diseño sonoro de Ren Klyce, especialmente en las músicas de toda la primera media hora) y lo preciso de su puesta en escena se nota en cada fotograma del film. La reconstrucción de época (y la invisible utilización de efectos visuales para lograrlo) es exacta, la música de David Shire es setentosa (no por nada él fue el compositor de The COnversation y All The Presidents Men) y la fotografía en HD (DF: Harris Savides (Elephant) es la mejor utilización del digital vista desde Collateral. Aqui, la alta definición es imperceptible, sólo vemos una increíble fotografía, de una belleza increíble en las tomas nocturnas. Las escenas de asesinatos son duras y violentas, con suspenso y terror.

Tal vez este film no este a la altura del Fincher que todos amamos (y que muchos detestan), tal vez los últimos cuarenta y cinco minutos son excesivos (pero necesarios en el fondo para redondear la historia y no ser el típico film de asesinos seriales), pero Zodíaco es un film exquisito y necesario de ver, que se transforma en uno de los mejores films de este 2007.

Novedades

Amigos:

Les cuento que a partir del día de hoy comienzo a publicar críticas de cine en el portal español www.cine.com. Ya está publicada la crítica de "La conversación", de Coppola, y en breve publicaré críticas de "La comedia del poder" ("Borrachera de poder" en España), de Chabrol, y de "Quién dice que es fácil", de Taratuto. Pasen y vean cuando quieran.
Saludos...

LAS AVENTURAS DE ROMUALDO y LA MUERTE

NUestro amigo ROMUALDO se encuentra esta vez con la muerte en un encuentro que dara que hablar por su escandalosa manera de presentarnos el conflicto entre el bien y el mal.

Ademas: una tarareada para el recuerdo.

COMPETENCIA Y MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS:

Anunciados ya los ganadores...

Mejor Cortometraje: ABC etc de Sergio Subero.
Y Menciones a Simpatía de Galel Maidana y Ana de Gabriela Trettel.

... Podemos decir que este año ha habido un par de buenos cortometrajes, muchos malos/malísimos y algunos medio pelo y varios mediocres.
Sergio Subero, ganador del principal premio. ¿Cuanto pagaste? No puedo creer que lo hayas ganado. ABC etc es un corto experimental de 19 minutos en el que vemos fragmentos de una película Super 8 que se va quemando con un sonido enrarecido de fondo. Sí, eso es todo el corto, o sea nada, o sea una mierda.
La mención a Ana de Gabriela Trettel es correcta, el corto se excede en su duración, llegando a los 23’ pero no aburre ni peca de lo que se llama “corto de minas”. La mención a Simpatía es una vergüenza, Galel Maidana, su director, debe ser el peor aprendiz de Jorge Polaco, sin su gracia y sin su provocación.
El resto de los cortos es desparejo. Desde la obra maestra de Juan Minujín: Guacho, un monólogo interior de un actor de teatro acerca de su vida y su padre; a Parece la pierna de una muñeca, el muy buen corto de Jazmín López; y por último: Ahora todos parecen contentos de Gonzalo Tobal, el corto es bueno pero bien la valdría un nuevo montaje, más corto; y finalmente el paupérrimo corto de Maximiliano Schonfeld Entreluces, una mediocridad total filmada por un niño sin una pizca de cine. Te entendemos Maxi, tal vez el cine todavía no haya llegado a tu pueblo de Entre Ríos.

Una constante se va repitiendo en todos los cortos, más aún en los de la Muestra: 1. el excesivo metraje de los cortos, los directores le rehuyen al montaje. Parece que montan exactamente lo que escribieron y filmaron, sin eliminar escenas o reducirlas en favor de la obra. 2. El enrarecimiento del sonido para darle peso al corto. Una mala costumbre de los cortometrajistas, enrarecer el sonido para quitarle levedad al asunto. Pocos zafan.

En la muestra, se salvan algunos: La guerra de Rodrigo Sánchez Mariño, el primer corto western del NCA con uno de los mejores trabajos sonoros a partir del off vistos hasta la fecha. Ella de Alejandro Montiel, un corto con conflictos de la misma gente que hizo UPA!. A C.Toker le dan unos análisis, no se anima a abrirlos, la despiden de su trabajo, encuentra a su novio en la cama con otra, se coge a un desconocido y emprende un viaje. Simple, bien hecho y en 12 minutos. Una tango de C.Cricenti esta bien: fútbol, juventud y S8 y Un Santo para Telmo de G. Stagnaro es de lo mejor: fútbol, pasión y un viaje entre retiro y la cancha lleno de obstáculos. Excelente. Primera Nieve de Pablo Aguero, ganador en Cannes, es tan bueno que no parece un corto, parecen escenas de un largo. Te espero es una mezcla de 21 gramos con Sexto Sentido abusando del enrarecimiento sonoro. Pero, LO PEOR DEL MUNDO es AUN de Sergio Brauer, una basura protagonizada por Carolina Fal, experimental y aburrida, sin ideas, lo dieron primero para que la gente no se fuera de sala. Inexplicable. El resto no vale la pena hablar demasiado.

Conclusion:

Directores con futuro: Gabriela Trettel, Juan Minujín, Jazmín López, Pablo Aguero, Alejandro Montiel, G. Stagnaro y R.Sanchez Mariño

Directores sin Futuro: Maximiliano Schonfeld, Sergio Subero y Sergio Brauer.
A los demás les damos una segunda oportunidad.

Estrenos + BAFICI

Aquí les envío breves reseñas de lo último que vi en cines. Las últimas dos las vi hoy.

Estrenos:

"Letra y música" (Dir: Marc Lawrence)

La película abre con la mejor secuencia de toda la película, el videoclip del tema "Pop goes my heart", de la banda "Pop". Videoclip que parece extraido de VH1, es lo mejor de la película, pero eso no desmerece para nada al resto. El guión parece estar escrito con el manual de Syd Field al lado, pero eso tampoco es un problema realmente. La película es una hermosa comedia romántica, previsible por momentos, con un muy buen timing, una pareja protagónica extraña pero con sorprendente química. Y lo demás... de bueno para arriba. Una estrella de la canción que curte la onda budista y hace que Shakira parezca un personaje absurdo y ridículo. Hugh Grant cantando muy bien, y Drew Barrymore, hermosa, y que de lo bien que entona en una escena da ganas de escucharla cantando el tema al final, frente al público, aunque eso hubiese sido demasiado obvio. Canciones que pretenden ser muy tontas y terminan siendo super pegadizas (yo me bajé la banda de sonido ni bien volví a mi casa), chistes inteligentes y burlas varias a las discográficas y a los realities bobos (que también remiten a VH1), y lo principal, eficacia para narrar el proceso de composición de un tema pop. Comedia sencillísima en su planteo, pero trazada con mucha inteligencia y más que buenas intenciones.

"300" (Dir: Zack Snyder)

Visualmente poderosísima, gracias a un trabajo de diseño por computadora que desprende imágenes virtuales justificadas por la trama (el trabajo final resulta mucho más coherente que, por ejemplo, "Sky Captain...", que procedía del mismo modo), y con un tono épico muy bien logrado. El problema a mi gusto es el exceso de violencia gráfica que, salvo un par de chistes, responde sin humor y con un tonito engolado, demasiado tenso, y bastante facho. Mi hermano la vio con los ojos tapados por la cantidad de decapitaciones. Yo le recomendé que vea "Sin city", menos soberbia, y con mucho humor y cinismo que acá se extraña bastante. Punto y aparte.

BAFICI:

"La marea" (Dir: Diego Martínez Vignatti)

La trama se reduce a los primeros minutos de la película. Luego de un accidente en el que mueren su marido y su hijo, una mujer se interna en un lugar alejado de la ciudad, en una casita cerca de la playa, en una zona de dunas. El resto es el transcurso del tiempo en la protagonista, que pasa del divagar, la supervivencia en zona salvaje y la fantasía, a la locura extrema. Excelente actuación de la actriz protagónica que sostiene una película en la que prácticamente no se necesitan palabras para narrar lo que sucede. Imágenes impactantes, planos bellísimos, sólo una duda: ¿Fue filmada en su totalidad en Claromecó? En mi opinión se ve cierta dicotomía entre los paisajes de dunas y playa (¿están filmadas allí esas imágenes?), y las imágenes de campo con molino y todo, que me transportaron inmediatamente al campo de mi zeide, ubicado en la zona de Villarino, cerca de Bahía y de Claromecó. Si está todo filmado allí, en Claromecó, es un verdadero hallazgo del director, la multiplicidad de paisajes que se observan en la misma zona. El problema a mi gusto es cuando el carácter contemplativo de todo el film se transmuta en un tono demasiado hondo, justificado, sí (solo por el principio), pero dramático al límite de lo intolerable. La secuencia final, y en particular el congelado último, me resultó demasiado feo, indignante, y desmerece gran parte del trabajo que sostiene muy bien durante toda la película. Una lástima porque, como dije, todo lo anterior me había resultado interesantísimo.

"Un pogrom en Buenos Aires" (Dir: Herman Szwarcbart)

El documental toma como punto principal de investigación el episodio muy poco conocido de la persecución de judíos durante la "Semana trágica", en enero de 1919. Lo que comienza y termina en un gran trabajo periodístico, es casi una excusa para hablar de otras cosas, como el yiddish y cómo se fue perdiendo tanto el idioma como todo el bagaje cultural que traía aparejado, y sobre todo, determina gracias a estos elementos, un enorme y valorable ejercicio de memoria colectiva. El documental está narrado por el director en primera persona, como todos los documentales de ahora, pero aquí no molesta para nada, porque el director es un vehículo necesario para transportar al espectador al camino de la investigación, como Sergio Wolf en "Yo no se qué me han hecho tus ojos". Me emocionó, me asombró por la información que se revela aquí por primera vez (y porque todo sucede cerca de mi casa, todo por Once), me dio ganas de volver a mi casa y seguir disfrutando música en yiddish, y sobre todo me devolvió una pregunta que siempre me la hice pero jamás me la pude responder: ¿Por qué nuestros abuelos no supieron ensañarnos a hablar en yiddish? Nos estamos perdiendo un mundo cultural, a la vuelta de la esquina, pero que debemos aprender a hurgar, debemos aprender a adentrarnos allí y rescatar el legado de nuestros ancestros.

"El hombre robado" (Dir: Matías Piñeiro)

La verdad es que no se que decir. Tenía pensado algunas cosas sueltas, pero acabo de leer la sinopsis que aparece en la web del BAFICI y coincido bastante con algunos términos. El término anacrónico inunda todo el filme. No por su carácter despectivo si no por su asociación con el mundo que toma, y que rodea a los jóvenes personajes de la película (museos, el cementerio de Recoleta, libros históricos, Rosas, y sobre todo, Sarmiento). El otro aspecto que traza toda la película es lo lúdico. Mercedes (María Villar, muy bella por cierto, si se me permite, y muy buena actriz, que sostiene toda la película), miente, corre, roba, juega. Hay robo de cosas (reliquias), robo e intercambio de novios. Todo parece desprenderse del film colectivo "A propósito de Buenos Aires", pero aquí sin convivir tantos elementos juntos de manera caprichosa, sino unidos por un guión bastante más sólido de lo que aparenta. La Buenos Aires que muestra parece estar filmada por un europeo mayor de sobretodo y sombrero, o por Filippelli, que es lo mismo, pero en realidad vuelve sobre la idea de anacronía, o rescate de aquello que está ahí desde hace siglos, habita con nosotros y nadie lo ve. Molesta un poco bastante que los jóvenes parecen ser enciclopedias abiertas, personajes que acopian información, hay tanto parlamento y tantas citas vertidas de modo que agota tanto a los personajes como al espectador. Justo cuando me preguntaba por qué la imagen del afiche de la película son los ojos de un gato, aparecieron los dichosos gatos, y queda a criterio del espectador entender ese signo, como tantos otros que aparecen. El todo molesta por momentos, y por momentos resulta particularmente fascinante. Muy bien dirigida. Dije demasiado para una primera visión, debería verla de nuevo para decir al respecto algo interesante. Pero pronto.

10 razones de por que UPA! Una Película Argentina es lo++++++:

1. Antes de comenzar la función regalaron chupetines.
2. La escena de Giralt y su novio en la cama, él queriendo coger y su novio no.
3. La música de la peli en general.
4. Camila Toker hablando con la madre acerca de protagonizar una película, pasando de la emoción a la tristeza por que no cree que le vayan a pagar.
5. Giralt yendo a buscar a Toker al teatro y las palabras del director de teatro: “Esto no es cine, acá ensayamos”
6. Los actores secundarios como “Natalia, la asistente de producción” o “La maquilladora”. Geniales.
7. Giralt yendo al baño con la noruega para darse con merca durante la filmación.
8. El sindicalismo del sonidista. “No hay nadie del sindicato acá? ¿No? Estamos desprotegidos”
9. La batalla de puteadas entre Toker y Giralt al final de la película. Un glosario de insultos desde “Enana de mierda”, “Puto” y “Godard con pala”.
10. El rap del final sintetizando todo que significa ser “cineasta independiente”. “No es que seamos diferentes, los chicos del cine independiente”.

Veánla cuando puedan, votenla, denle una mano, tiene onda y no aburre, hace reir que no es poco.
Eso si, es para un publico cerrado, el estudiante de cine.
Esperemos que estrenen (no en el MALBA!!!!) o amplien o ganen algo.

BAFICI 2007: Primeros Días

Estudiantes de cine, gente, shopping, almohadones en el piso, catalogos, blanco y negro, puaj!

FOR YOUR CONSIDERATION de Christopher Guest
C.Guest es uno de los creadores de THIS IS SPINAL TAP... y director de BEST IN SHOW (acerca de los concursos de perros) y MIGHTY WIND (acerca de las bandas folk) y ahora de FOR YOUR CONSIDERATION donde se vuelve a rodear con sus compañeros de películas anteriores, entre ellos el magistral Eugene Levy (aqui co-guionista). Sus películas anteriores eran del género mockumentary, falsos documentales, y sin embargo, esta se debate entre la ficción y los programas de chimentos hollywoodenses para contarnos la historia de una película de cuarta y del rumor que aparece en un blog de Internet que dice que será nominada al Oscar. Guest da un panorama hollywoodense retratando a los agentes, actores que están de regreso, estrellas en ascenso, directores, guionistas y productores que solo le dan bola a la película cuando empiezan los rumores. En comparación con sus obras anteriores esta es floja aun cuando muchas situaciones causan risa, pero se desaprovechan muchos personajes secundarios interesantes como el agente compuesto por Eugene Levy o los guionistas interpretados por sus compañeros de Spinal Tap. Con cameo de Joe Satriani incluido.

THE SCI-FI BOYS de Paul Davids
Documental Tributo a las películas de monstruos de los 50 y como estas influyeron en toda una generación de cineastas como John Landis y Peter Jackson y a artistas de maquillaje y efectos especiales como Dennis Murren y Rick Baker. Los verdaderos homenajeados son Ray Harryhausen, George Pal y el tío Forry (creador de una revista de Monstruos en los 50-60). Lo mejor: el rescate de viejas películas Super 8 en que los grossos de hoy día eran en ese momento pequeños inventando monstruos y animando caseramente dinosaurios con stop motion. Y el testimonio de Landis diciendo que Ed Wood Jr. Fue a la premier de su opera prima. Lo peor: la ausencia de testimonios de Joe Dante y la ausencia de Georges Melies entre los homenajeados.

A GIRL IS A GIRL de Reginald Harkema
Una combinación entre el Godard de los 60, Singles de Cameron Crowe y High Fidelity con resultados excesivamente de cine independiente. Es la historia de un muchacho y sus sucesivas novias, con una primera mitad más experimental y una segunda parte más narrativa. Se pasa, pero no asombra.

MÚSICA NOCTURNA de Rafael Filippeli
Con Enrique Piñeyro en el protagónico y demasiados cameos de jóvenes “directores” (llamados los filippeli Boys, su sequito personal). Cuatro noches en la vida de una pareja intelectual de 50 con la irrupción de un famoso novelista que los visita desde España. Con algunos diálogos excesivamente impuestos y exclamativos de cultura, algunas actuaciones acartonadas y una introducción y un final que se alarga insoportablemente. Aun así la pelí goza de una excelente fotografía (gran trabajo de Fernando Lockett, gran DF, no tan buen cámara), un desarrollo interesante (incluyendo la aparición de Federico Esquerro cantando en una banda cuya única letra es Puta,puta,puta,puta...), planos linklaterianos en steadycam por una ciudad nocturna europeizada en la cual se va caminando inverosímilmente desde la Recoleta hasta la costanera y una gran cantidad de música clásica, por que en palabras de Filippeli: “Si la escena es mala y tiene Bach de fondo, no es tan mala”.

CORTOS DE DANIELA CUGLIANDOLO
Retrospectiva de cortos en super 8 de carácter experimental, con música tecno rara y editados en su mayoría en cámara. Interesante, pero hasta ahí.

10 películas de los 70 que todo estudiante de cine debe ver:

En la década del 70 no sólo hicieron películas los Coppola, los Scorsese, los Allen y los De Palma, hay toda una segunda línea de directores que hicieron peliculas igualmente de interesantes y cuyas influencias llegan hasta hoy día.

1. ROLLERBALL (1975) de Norman Jewison.
Prima Hermana de LA NARANJA MECÁNICA pero en un mundo más corporativo y más violento. Heredera del género “negative dystopias” al igual que “1984” o “Brave New World” nos cuenta de un futuro donde intercambiamos nuestra felicidad por un poco de tranquilidad. Un deporte violento y popular visto en todo el mundo como el Rollerball, un protagonista que se debate entre el sistema y el ser (estupendo James Caan) y un mundo donde ya no hay más países, solo corporaciones.

2. SHAMPOO (1975) de Hal Ashby
Hal Ashby es uno de los realizadores menos valorados por el público contemporáneo, algunos directores lo citan como influencia directa para sus películas como Soderbergh en “Un romance peligroso” donde quiso combinar a la Ashby la comedia y el drama. Las aventuras de un peluquero (Warren Beatty) que se hace pasar por homosexual para conquistar mujeres, entre ellas Goldie Hawn y Julie Christie con un contexto político de fondo.

3. THE FRENCH CONNECTION (1971) de William Friedkin
Antes de hacer EL EXORCISTA Friedkin supo llevarse todos los Oscars con este drama policiaco donde dos policías interpretados por Gene Hackman y Roy Schreider intentan desbaratar los planes de un traficante de drogas interpretado por Fernando Rey. Contiene la mejor persecución de autos de toda la historia del cine (mejor que BULLIT con Steve McQueen), un montaje acelerado y veloz inédito para la época y la magnifica secuencia del desarmamiento de un auto para buscar droga.

4. MIDNIGHT EXPRESS (1978) de Alan Parker
Alan Parker dirigió esta película escrita por Oliver Stone que nos cuenta de como no debemos contrabandear heroína afuera de Turquía, mucho menos siendo americanos ya que todo se nos puede ir al carajo y pasar años en la peor prisión del mundo con guardias malvados y prisioneros traicioneros. Contiene una magnifica escena de el protagonista (Brad Davies, que creo después irónicamente cayo en las drogas) habla a través de un vidrio con su novia (que logro irse de Turquía cuando lo arrestaron a él) y ella le muestra las tetas para que él se pajee.

5. THE DEER HUNTER (1978) de Michael Cimino
Cimino nunca volvió a ser el mismo después de EL FRANCOTIRADOR, después de esta peli fundió a los estudios Orion con su peli HEAVEN’S GATE. Sin embargo, supo entregarnos esta masterpiece de casi 3 horas con un Robert De Niro barbudo, una jovencísima Meryl Streep, un trastornado de la guerra que supo ser mejor amigo como Christopher Walken y ser la ultima peli de John Cazale (Freddo en EL PADRINO). Una gran tragedia, que va de Pennsilvania a Vietman, de vuelta a casa y a Vietnam para un final excepcional. Ruletas Rusas, De Niro corriendo desnudo y todos borrachos cantando “You’re just to good to be true”, ya me dan ganas de verla de nuevo pero en 2:35 y no en el formato tele como siempre se vio.

6. ALL THE PRESIDENT’S MEN (1976) de Alan J. Pakula
Pobre Pakula, gran director de thrillers políticos, muerto hacia finales de los 90 (recuerdo leer su muerte en los diarios) y ahora gran olvidado de la historia. El escándalo Watergate tal como lo investigaron Woodward y Bernstein, Robert Redford y Dustin Hoffman, bah! El lindo y el gracioso. Film intenso, denso y con brillante guión que da una clase de suspenso aun cuando sabemos como termina todo.

7. THE TOWERING INFERNO (1974) de John Guillermin & Irvin Allen
La mejor película catástrofe de la historia. Otros filmes como TERREMOTO y AEROPUERTO no le llegan ni a los talones (aunque la primer aeropuerto es muy buena) a esta obra genial del cine catástrofe donde un gigantesco rascacielos se incendia y la gente queda recluida en los pisos superiores, donde la salvación parece imposible. No hay dos mejores héroes que Paul Newman y Steve McQueen ni mejores co-stars que William Holden, Faye Dunaway, Fred Astaire y Robert Vaugh.

8. NETWORK (1976) de Sidney Lumet
Un periodista se vuelve loco y anuncia su suicidio en vivo para la semana que viene en medio del noticiero nocturno, nadie le presta atención, hasta que se dan cuenta. Así, sin quererlo comienza la sátira más grande acerca de la televisión con una lucha entre el periodismo serio y la televisión espectáculo. Peter Finch (como una mezcla de Rial con Chiche Gelblung), Faye Dunaway (como una inescrupulosa directiva del canal que ve en el quilombo guita y audiencia) y William Holden (como alto directivo del canal) son los protagonistas de NETWORK con guión de Paddy Chayefsky y dirección de Sidney Lumet (también director de DOG DAY AFTERNOON, otra joya setentista).

9. KRAMER VS. KRAMER (1979) de Robert Benton
Mama Kramer (Meryl Streep) abandona al workcoholic Padre Kramer (Dustin Hoffman) y a su hijo (Justin Henry). Todo se desmorona para Papa Kramer, su trabajo, su casa, la relación con su hijo, tiene que convertirse en Padre, estar presente en su casa, preocuparse por alguien más que si mismo, cambiar de trabajo, y cuando re-aparezca Mama Kramer luchar por la custodia de su hijo. Benton nos demuestra que para hacer una escena de gran emotividad no se necesitan palabras, sólo padre e hijo haciendo un desayuno juntos.

10. DAYS OF HAVEN (1978) de Terrence Malick
Segunda película de Terrence Malick, después de BADLANDS (1973), y con Richard Gere y Brooke Adams como protagonistas. Narrada desde el punto de vista de la hermana de ella nos cuenta como Gere y Adams trabajan en el campo y se hacen pasar por hermanos para quitarle la plata a un rico estanciero en los años 20/30 que creen se esta a punto de morir. Magnifica fotografía de Nestor Almendros, se nota como Malick filmó, filmó y filmó hasta e

TRAILER EL IDIOMA DEL CORAZON

La mejor obra del mundo ahora en George Clooney!!!

Dejennos saber si realmente quieren ver al peli...

Estreno de documental

Amigos:


Giselle y yo estaremos presentando este sábado a las 21 hs., el documental "El cine en dictadura". En el debate contaremos con la participación de uno de los entrevistados, el crítico de cine Santiago García.

Aquí les dejo el aviso. ¡Los esperamos!




Realizado en diciembre de 2006. Duración: 26 min.

Dirección: Giselle Odiz, Yaela Barredo, Mercedes Moreno Uriburu y Romina Gómez.

Cámara y montaje: Leo A. Senderovsky

4 PELIS PARA VER....

BORAT: CULTURAL LEARNINGS OF AMERICA FOR MAKE PROFIT GLORIOUS NATION OF KAZAKHSTAN
Bajo una película aparentemente “improvisada” y “filmada a las apuradas” se esconde unos de los mejores y más interesantes guiones acompañado de una fuerte planificación, que a la manera de los films de Winterbottom, nos hace imposible discernir entre realidad y ficción, entre improvisación y guión, entre cámara oculta y puesta en escena.
El creador: Sacha Baron Cohen no se acompaño de neófitos para trasladar su film de la televisión al cine, sino que se acompaño de verdaderos pesos pesados de la comedia. En la dirección: Larry Charles, director de los mejores episodios de Seinfeld. En la Producción: Jay Roach, director y escritor de las tres Austin Powers y de Meet The Parents/Fockers. Y ayudándolo en el guión tuvo cuatro colaboradores: Dan Mazer; Peter Baynham, reconocido guionista de sitcoms en UK, Anthony Hines, compañero de Baron Cohen en “Da Ali G Show” y Todd Philips, director y guionista de Road Trip, Old School, Starsy & Hutch y de la Proxima a estrenarse: “Old School Dos”. Detrás de una apariencia improvisada se esconde una película hábilmente planeada, “perfecta” desde el punto de vista del guión con todo lo que pide un editor de guión hollywoodense. Punto de Ataque: Viaje de Borat a America. Choque de Fuerzas entre los extremos puntos de vista de Borat y de America. Punto de Giro: Borat se enamora de Pamela Anderson. La historia cambia y comienza un nuevo viaje lleno de obstáculos y divertidos momentos. Fin del tercer acto: Todo parece perdido, sin un mango, sabiendo que Pamela está lejos de ser virgen y abandonado por su manager camina solitario por una carretera. Bajon! NOOO. Borat terminara el documental. Puente: Llega a los Ángeles y se reencuentra con su manager, y finalmente llega el clímax con Pamela Anderson, donde se roza lo imposible, donde no sabemos que es realidad, que es cámara oculta, que esta interpretado por una doble, que paso y que se inventó.

BORAT sin quererlo termina por ser una abanderada del post modernismo en el cine, donde todo se vuelve relato y nos deja con varias escenas de antología. Entre ellas una pelea entre Borat y su manager completamente desnudos, un himno de Kazajstán donde menciona que su principal exportación es el Potasio y que los demás países tienen inferior potasio y un sexismo y machismo políticamente incorrectos pero humorísticamente de primer nivel.

BLOOD DIAMOND
Sabemos que Ed Zwick es un director cumplidor. Con preferencias por el cine bélico y con la costumbre de extenderse por más de dos horas y media en sus películas: Glory, Contra el Enemigo y The Last Samurai son películas dignas, que sobresalen entre la basura norteamericana que nos bombardean constantemente. DIAMANTE DE SANGRE es su mejor obra hasta el momento, realmente punzante, impactante y hasta un punto necesaria de ver.
Leo DIckCaprio hace de un personaje que de estar vivo lo haría Humphrey Bogart, típico personaje recio y cínico, pero de corazón noble, héroe típicamente bogarteano que se debate entre lo material y lo moral. Leo brinda una gran interpretación con acento sudafricano, y es acompañado por Djimon Hounsou, alma torturada y en busca de su familia desparramada en un campo de refugiados y de su hijo convertido en niño-soldado por el régimen de Sierra Leona.
Nos es nada ingenua la película, es cruda y nos pega una bofetada en la cara cuando vemos a los niños-soldados matando mujeres y niños, no cierra los ojos al decir que todas las guerras tienen intereses materiales. En África, primero fue el caucho, luego el marfil, las pieles y ahora los diamantes. Y en el medio del caos un personaje ruega que no encuentren Petróleo.
La tercera en discordia es Jennifer Connelly, que no se destaca pero tampoco desentona como una periodista action-junkie en medio de Sierra Leona tratando de develar el tráfico de diamantes en conflicto.
Hounsou conoce la localización de un enorme diamante rosa, diamante atrás del cual también estará Leo y que sería su ticket de salida de Africa, Jennifer Connelly verá en él una oportunidad para bajar a los pesos pesados joyeros que trafican diamantes de zonas en conflicto. El diamante simboliza la salvación de cada uno de ellos. Hounsou sabe que gracias a él vivirá el tiempo necesario en un lugar donde Dios parece haberse ido hace tiempo, donde la tierra es roja por la sangre derramada y donde los personajes parecen resignarse a existir en un lugar utópico y que no da cuartel y ante el cual no queda otra cosa que decir más que: TIA. This is Africa.

ROCKY BALBOA
La nostalgia puede más. Nunca había visto una Rocky en pantalla grande, pero las otras me las se de memoria. Nunca había escuchado tantos aplausos en el cine desde el estreno de LA AMENAZA FANTASMA y desde que Yoda peleó en EL ATAQUE DE LOS CLONES. Parece ser que solo las películas de los setenta generan tantas pasiones.
Rocky está viejo, viudo, cansado, fuera de forma, compra un perro que está peor que él, su hijo se aleja de él, ya no quiere ser más el hijode, vive del pasado, contando historias, y atendiendo un restoran italiano, lo siguen reconociendo en la calle pero su estatua ya no estás más en Philadelphia. Sin embargo, las escaleras siguen ahí para subirlas y sigue una pulsión de vida y de no querer desvanecerse que va más allá de todo.
Con más historia que mis favoritas ROCKY III (la de Mr.T) y ROCKY IV (contra el ruso, la mejor) y más cerca de ROCKY, la original de John G. Avildsen que de la fallida ROCKY V, ROCKY BALBOA es el retrato ganador de un perdedor. Sin embargo, más que la victoria Rocky quiere ese último aplauso, no le interesa ganar, solo quiere demostrar que sigue vivo y quiere darle una gran despedida a un gran personaje.

THE GOOD SHEPHERD
Es larga pero se lleva. De Niro filma excesivamente clásico y algunos de sus cortes son bruscos y fallan pero la historia de Eric Roth, guionista de Forrest Gump y The Insider que tiende a extenderse más de la cuenta contando más la vida de sus personajes episódicamente que historias en sus guiones, se lleva y no aburre. Molesta que el personaje principal sea ficticio y desconciertan los cambios de nombres de los personajes reales como el verdadero Allen Dulles transformado en Philip Allen. Angelina Jolie aparece fuera de tono y da la impresión de haber sido impuesta por razones comerciales, una Joan Allen o Laura Linney podría haber hecho lo mismo y mucho mejor. Los cameos abundan y en las historias con muchos personajes realmente funcionan a favor ya que tal vez no recordamos los nombres pero si a los actores o sus caras familiares. El contexto es abrumador: La CIA, La Segunda guerra, todo el cliche de las películas de espía en los primeros veinte minutos del film, Bahía de Cochinos y el comienzo de un ente corrupto y poderoso.
Matt Damon es uno de los personajes más fríos de la historia, envuelto en una historia donde no se puede confiar en nadie, donde todos se acuestan con todos y es acompañado por actores de la talla de William Hurt, Michael Gambon, Billy Crudup, Joe Pesci y John Turturro. La película tarda en encontrar lo que quiere contar, pero cuando llega no podemos despegar nuestro trasero del asiento. Una historia de padres e hijos, y una “amistad” entre dos capos de inteligencia en bandos opuestos. THE GOOD SHEPHERD es un rompecabezas con muchas piezas, muchas que nos deja a disposición del espectador para armar y otras tantas otras que cierran a perfección en un final donde la vida de los personajes nunca volverá a ser la misma.

"Distorsionado" - Work In Progress al BAFICI

El largometraje "Distorsionado" participará del concurso de "Work in progress" del BAL dentro del marco del BAFICI.

El corto del mismo será exhibido para dicho concurso.

¡Felicitaciones a todos los que integraron tan grato equipo!

Atte.

SebaMD.

FINCHER: Dios o mediocre pretensioso?

Realizo el videoclip "Freedom" de George Michael en el que aparecen Cindy Crawford y Naomi Campbell; "Love Strong" con los stones gigantes paseando por NY, "Vogue" con Madonna posando en ByN, clips para Paula Abdul en su apogeo, para Michael Jackson y Aerosmith. El pertenece a la generacion de cineastas salidos de LA GUERRA DE LAS GALAXIAS (Trabajo en la parte FX de El regreso del Jedi y de Cazadores del Arca Peridida). DE la generacion anterior a Gondry y Jonze, mas cercano a Soderbergh y Pt. Anderson.

Realizo miles de comerciales. El primero suyo fue el de un feto fumando que hemos visto hasta en la sopa. Salto a la pantalla grande con ALien 3 (la mejor de la saga) y se peleo a muerte con los estudios FOX por el montaje de la pelicula. Una pelicula problematica. Circulan x Internet casi 10 versiones de diferentes guiones, incluyendo una escrita x William Gibson y una preliminar con monjes en un planeta de madera. Salio de la pelicula sin terminarla.

Tardo en encontrar un proyecto que le llame. Andrew Kevin Walker le mostro el guion que lo llevaria a las estrellas y acepto. SE7EN. Con Brad Pitt. COn un guion preciso, montaje dinamico-veloz (muy cercano a Christopher Nolan), una fotografia digna de un pintor con luces y actores. No hay fotograma de mas en PEcados Capitales ni toma sin belleza.

Con reputacion kubrikiana de hacer mas de 50 tomas (Ironizado por Sodernbergh en FULL FRONTAL donde David aparece dirigiendo a Brad Pitt y obligandolo a hacer decenas de tomas), perfeccionista (hasta el punto de filmar toda la peli en su computadora antes de filmar un solo pedazo en la vida real, lo hizo en Panic Room) y con toques hitchconianos (en sus peliculas EL JUEGO y PANIC ROOM con ecos de La ventana Indiscreta y Falso Culpable).

precisamente a SEVEN le siguio EL JUEGO, en la que descubrimos que los finales de todos sus films son Deus Ex Macchina, pero a la vez nos dimos cuenta que copado que es terminar la peli con un Deus Ex.

Luego, llego la que hasta ahora es su obra cumbre. FIGHT CLUB. Una peli de machos bien gay, aun si la pareja es el mismo. Entonces, mas que gay es automasturbatoria?? Tal vez...

Odiada por muchos, amada por muchos. Violenta, falaz, sexual y con un humor muy retorcido, nos dio el mejor Brad Pitt, el mas suelto (junto al de Snatch) y al Edward Norton mas angustiado, a la Helena Bonham Carter mas diabolica y mas perversa (aun asi mas sexy que en sus pelis inglesas). Y hasta se dio el lujo de cortar una escena que aparecia Brad desnudo y una en la que ella le pide tener un aborto a Tyler.

Su ultima peli up to date es PANIC ROOM con Jodie Foster. Interesante hasta ahi. Guion solido pero lo mas atrapante son los movimientos de camara por la casa o el fuego azul que quema el gas.

Iba a dirigir MISION IMposible III pero se pincho.

Proximamente llegara a nuestros cines Zodiac con jake Gyllenhaal, robert downey jr. y Anthony edwards: primer film de estudio filmado integramente con la camara HD Thompson Viper, que filma en cine de alta resolucion raw. Llega 6 años despues de Panic Room. Es acerca de un asesino serial. y segun un articulo de the times, le tuvo que cortar varios de minutos de negro en un momento en que sobre negro suenan canciones aludiendo al paso del tiempo, y tuvo que reemplazarlo x un 4 años mas tarde.

En el 2008 nos esperara una nueva colaboracion con Brad Pitt en THE INCREDIBLE CASE OF BEJAMIN BUTTON acerca de un hombre que envejece en reversa.

David, esperamos tu siguientes films con ansias....

Para cuando una peli con brad y george clooney?

"The Weather Man" o la vida del hombre Fast Food

Dave Spritz (un genial Nicholas Cage) camina por la calle y alguien le arroja una malteada de Wendy's desde un auto a gran velocidad gritándole: "Weather Man!". Él es el hombre del clima, y también por eso la malteada. Le pagan por un mínimo esfuerzo en un mínimo tiempo. Es algo fresco y que agrada, pero que carece de profundidad o de consistencia. Él también es Fast Food.

De la mano del artesano Gore Verbinski, también recordado por la saga de "Piratas del Caribe" o "La Mexicana", este film nos cuenta la historia de un tipo mediocre, hijo de un ganador de un pulitzer, Robert Spritzel (a cargo de Michael Caine, maravillosamente), a quien todavía lucha por demostrar que no es un fracasado, a pesar de su dura separación con su esposa y su no muy logrado rol de padre para dos hijos que cargan con problemas extras.

Saliendo por un segundo del rol de crítico, debo decir que es una película que me llegó no sólo por su muy lograda realización, sino también porque yo también soy Dave Spritz; todos lo somos. Yo también lucho por demostrarle a mi padre que no soy un bueno para nada, y sólo acabo demostrando lo contario, yo también olvido la salsa tártara cuando es lo único que me piden que recuerde comprar, yo también me equivoco y no sé cómo arreglarlo, pero aún así, digo que lo voy a arreglar por vano orgullo. Y eso es lo que muestra la película, con una franqueza excepcional, que por más que uno tiene proyectos para uno mismo, a la larga, la vida va cortando caminos y uno termina siendo algo que no hubiera deseado: Nada más que uno mismo.

Y por eso recomiendo "The Weather Man". Porque es una película de un fino trabajo de guión y realización, y sigue siendo un espejo ante nuestros errores y fracasos: "En este mundo de mierda, a veces tenemos que arrojar cosas...", como bien concluye, Michael Caine.

Una para el living otra para la sala

En dos días tuve la oportunidad de ver dos películas que me impactaron: UNITED 93 de Paul Greengrass y MARIE ANTOINETTE de Sofia Coppola. Las vi sabiendo que no me iban a decepcionar, pero tampoco que me iban a impactar así, realmente me sorprendieron.

UNITED 93
Todos sabemos lo que sucedió el 11 de septiembre del 2001, y aun así este film no deja de ser exasperante y agobiante en todo momento. Greengrass nos muestra durante toda una primera mitad lo que sucedía en las torres de control y las oficinas de control aéreo, a los controladores llamando inútilmente a vuelos secuestrados, a los militares sin reacción ni idea de como afrontar la situación, vuelos que se pierden y vuelos que aparecen, presuntos secuestros por doquier. La película es veloz, inquietante y punzante, el suspenso crece a cada instante con un montaje frenético y una fotografía contrastada que va de la oscuridad de la sala de control de tráfico aéreo a la luminosidad de las aeronaves. Los actores son desconocidos, no hay héroes ni mártires, solo gente. La música acompaña suavemente a las imágenes por detrás, no desentona ni remarca, las imágenes son lo suficientemente fuertes, no hay necesidad de reforzarlas. Greengrass, ganador del Oso de Oro en Berlín en el 2002 por Bloody Sunday, utiliza el montaje paralelo, yendo de un lugar a otro sin respiro. Los pasajeros del vuelo 93 hablan de cosas triviales, sin importancia mientras los cuatro terroristas aguardan. La tensión crece, ya se han estrellado los dos aviones contra las torres y un tercero en el pentágono, los terroristas aguardan, a los pasajeros les sirven el desayuno, las azafatas hablan de sus vidas. La tranquilidad termina y el vuelo es secuestrado de manera brutal. Los terroristas toman control de la aeronave. En esta segunda mitad del film la cámara de Greengrass no abandona el avión en ningún momento, esta es la historia que le interesa, la que nadie sabrá realmente que paso. Greengrass arma todo a partir de las conversaciones que tuvieron los pasajeros desde el avión con gente en tierra, reconstruye y nos da su visión de lo sucedido. Una visión repleta de ultimas llamadas, de plegarias, de angustiantes momentos, los rumores de los atentados circulan entre los pasajeros, la tensión y el miedo no se transforman en heroísmo, sino en un sálvese quien pueda, es una misión suicida, ningún intento es en vano. Los últimos diez minutos son de antología, la historia ya la sabemos, pero no importa, se nos seca la lengua, se nos revuelve el estomago, sufrimos con los pasajeros por sus vidas. Eso es United 93, un film pequeño que se transforma en un infaltable en el estante de tu casa.

MARIA ANTONIETTA
No es el típico film histórico que todos esperaban, es una visión personal de la delfina de Francia. A María Antonieta (Kirsten Dunst, en tal vez su mejor labor hasta la fecha) la sacan de Austria de adolescente para consolidar la unión entre Austria y Francia desposándose con Luis Augusto (Jason Schwartzman). Filmada en Versalles y en distintas locaciones de Francia, la ambientación es exquisita y el vestuario formidable. Sentimos el olor de los perfumes, el sabor de los chocolates y todo acompañado con música moderna de New Order, Air y otros. Una decisión arriesgada, tanto como poner unas zapatillas Converse entre los zapatos de la reina. El cine no se hace con concesiones y eso es lo que adoramos de Sofia Coppola, su habilidad de arriesgarse y de mostrarnos no a una reina refinada, pero humana, sino de mostrarnos a una adolescente que ante la inhabilidad de consumar el matrimonio con su esposo, que poca bola de la y que prefiere pasarse cazando que en la cama con ella, se la pasa comprando joyas y vestidos, apostando, comiendo manjares exquisitos, tomando champagne, yendo a fiestas de disfraces y disfrutando de la opera de Paris. No es un Versalles silencioso el que vemos, sino uno repleto de rumores y chimentos, como una revista Paparazzi, lleno de amantes y festejos y de ceremonias absurdas y ostentosas. Por ahí se pasean las caras de Marianne Faithfull, Steve Coogan, Molly Shannon y Asia Argento, caras extrañas para un film de época, pero en una película con un baile de disfraces con música indie norteamericana de fondo todo es extraño. Al igual que con United 93, el final ya lo sabemos, pero es el viaje lo que importa y no tanto el destino. Un viaje exquisito y placentero, divertido y con aires pop, sin pretensiones, pero con muchos aciertos y plagado de ideas.

ESTRENO DE VISPERAS

Vayan todos a verla antes de que salga de cartel.

Busquen la escena del cafe, al fondo a la derecha veran un individuo peligrosamente parecido a mi.

Busquen la escena de la disco y veran una persona sacada bailando de fondo que es muy parecido al individuo de la escena del cafe (Y VISTE IGUALLL!!!!)

La vuelta al ruedo - Reseña arbitraria de películas en dvd

Amigos:

Luego del autoimpuesto silencio en el que se ha sumido el blog después del doloroso último post, me veo en la obligación de ser yo quien retome las actividades de YSGC.
Antes que nada quiero por este medio agradecer enormemente a todos aquellos que estuvieron conmigo, ya sea a través de comments en el último post, o simplemente estando. Gracias.
Les cuento que tratando de cargar pilas nuevamente, he pasado mis vacaciones entre libros para mi tesis y para Pensamiento II, algunos proyectos personales que vuelven a aflorar y a plasmarse en palabras, escenas, escaletas, etc, y muchas pelis en dvd, algunas vistas junto a mi hermano, y otras que estoy viendo ahora. De las mismas voy a plasmar breves (espero) reseñas personales, aquí van las primeras, y prometo un nuevo post con más películas en breve.

Los intocables, de Brian De Palma: Dentro de lo mejor entre los greatest hits de De Palma (por mi parte aún veo con cariño "Doble de cuerpo", que no será un hit pero es De Palma puro). Gran guión de Mamet, enormes actuaciones, duele la muerte de Connery, pero bue... Así es la lucha contra los gangsters. Da ganas de hacer cine con sólo verla, como todo film depalmiano.

Scarface, de Brian De Palma: No es Los intocables ni pretende serla, no es la Scarface de Hawks ni pretende serla (salvo por algunas frases). Aunque es conocida por sus escenas "hiperviolentas", no me pareció tan así (quizás porque hoy uno está acostumbrado a ver cada cosa). Enorme película, final inolvidable que da ganas de verlo muchas veces. De las mejores sobreactuaciones de Al Pacino. "The world is yours, De Palma".
La edición aniversario incluye buenos extras, como todo el back, muy interesante, y sobre todo una pequeña comparación entre la versión censurada para televisión y la versión cinematográfica.

The hustler, de Robert Rossen: Interesante. Por momentos, tan divertida y dinámica como jugar al pool (hacia la mitad tiende al fastidio, pero repunta). Aplicando la máxima "Todo Hollywood pasado fue mejor", Paul Newman es la evidencia pura, diez veces más sexy y mejor actor que el Leo Di Caprio de las últimas películas. Nos quedamos con ganas de ver una peli que reuna a Mr. Newman con Mr. Clooney.

Por un puñado de dólares / Por unos dólares más, de Sergio Leone: ¿Qué decir? Obras maestras ambas, da placer verlo a Eastwood, cigarro en la boca, sombrero, rifle en mano... "This poncho belongs to the man with no name", como dice el trailer de "Por un puñado..." Arte y disfrute puro, si a "Por unos dólares más" se la tomara como la segunda parte de la anterior (como así se la toma), habría que decir que traiciona la ya vieja idea de que segundas partes no fueron buenas. Maravilloso Eastwood en la segundo como "El manco", con el poncho cubriendo el brazo que sólo se descubre para apuntar y disparar. Maravillosa música la de Morricone (la segunda con tema más popular que la primera, y "El bueno, el malo y el feo", la tercera, con tema más popular que el resto). Maravillosas las escenas de duelo. Maravilloso todo. Me falta ver la obra magna de la trilogía, "El bueno, el malo y el feo", que la dejé por otras películas por haberme empachado con spaguetti western. Pronto la veremos.

Hellboy, de Guillermo Del Toro: Un buen comic bien adaptado. Va al grano, sin estridencias. Acción pura. Buenos personajes. Interés amoroso introducido correctamente. Eso. Me gustó.

V de venganza, de James McTeigue: Otra que va al grano, pero con fuerte carga alegórica proveniente de un comic británico de los ochenta que funciona como respuesta al fascismo en el gobierno de la señora Thatcher. Muy buen comic, muy buena película. Perdón, pero me gustó más que Matrix y su sobreabundancia de explicaciones filosóficas/new age. Escenas que dan verdadero placer.

Yo, robot, de Alex Proyas: Vale por el mensaje de tono moral que nos da Asimov con respecto al futuro y la robótica. Excesivo uso de lo digital, genera escenas demasiado virtuales para ser ciertas. Prefiero la técnica visual de "V de venganza", sin abuso del digital. Will Smith está bien, pero está mejor en "Hombres de negro". De Proyas, prefiero esa muy buena película "Dark city (ciudad en tinieblas)", que vale una segunda visión.

Pecados de guerra, de Brian De Palma: Interesante film antibélico de Vietnam, con Michael J. Fox en el protagónico, y Sean Penn en una actuación muy desaforada por momentos, como el Scarface de Pacino. Si se hubiese hecho antes que "Pelotón" se la recordaría más, pero así parece una simple imitación, con momentos sacados de "Apocalipsis now" y otros de la ya nombrada, Fox parece Charlie Sheen, y Penn vendría a ser una mezcla de Tom Berenger con Willem Dafoe. La inclusión de la vietnamita violada, torturada y masacrada es lo más original (y violento) de la película. Está muy bien, pero hacia la mitad, opta por quebrarse y empieza a narrar el viaje de Fox tratando de hacer justicia con los soldados salvajes, y eximir su respectiva culpa, por ende el final cae un poco. Aún así está muy bien, como todo lo que hace este genio excluido de la comunidad de Hollywood.

El lobo, de Miguel Courtois: Thriller político español sobre un agente que se infiltra en ETA, en los setenta. Formidable reconstrucción de época, buenas actuaciones, en especial de Noriega, acción bien filmada, con momentos dignos de superproducción, y escena de sexo gratuito. Suerte que es española.

Acción mutante, de Alex de la Iglesia: Ópera prima de de la Iglesia, tipo único y brillante, que ahora está filmando la adaptación yanqui de "Crímenes imperceptibles", la novela del bahiense Guillermo Martínez. Película que a uno le pone las pilas, indudablemente, con su tono de comedia constante, su ambientación futurista, y con el grupo que le da nombre a la película, que extrañamente termina autodestruyéndose hacia la mitad de la película (la otra mitad es aún mejor que la primera, con varias vueltas de tuerca bien hechas). Excelentes escenas, como la masacre final en el bar, y la muerte de Manitas. La edición aniversario trae infinidad de extras (me hace acordar a la edición doble de Hellboy, pero en aquella quise ver el documental detrás de cámaras, y duraba más de dos horas, más que la película, y resultaba siendo algo aburrido). El backstage de Acción mutante trae entrevistas con un irreconocible (por lo joven, por lo flaco, y por lo parecido a Mega Díaz) de la Iglesia, que parece divertirse mucho en su primera película, a la vez que expone lo que va aprendiendo durante el rodaje, y entrevistas con Don Pedro Almodóvar, productor de la película. Imperdibles los momentos que comparten delante de cámaras ambos directores juntos.

Batalla real, de Kinji Fukasaku: Enorme película. Única. Formidable. Alegoría de la sociedad moderna con su violencia juvenil, excelente pintura del fascismo futurista (por momentos me hace acordar a la novela de Filloy La purga, por el tema del encierro en la isla, y las muertes), desaforadamente inverosímil y, sobre todo, altísima comedia. Con un Kitano quizas solo menos gracioso que en Takeshis, pero gracioso al fin, con su pistolita de agua al final. Única (perdón, lo repetí). Brillante. Me encantó. Qué puedo decir...

Pronto vendrán más reseñas. Nos vemos...