"Deus Ex Machina" - Avant Premiere - 15/06/07 20.00hs

"Deus Ex Machina"

Avant Premiere - 15/06/2007

20hs - Pje. Giuffra 330 (Microcine)

"Deus Ex Machina" empezó abruptamente un Diciembre del 2004. Muchos de los que integramos el grupo ya habíamos debutado como directores, al menos, de un cortometraje, a pesar de que para otros fuera la primera incursión en el rol. Tenía la idea de utilizar aquel elemento (el "Deus ex machina"), previamente mencionado por Rodolfo Otero en primer año de la cursada de Guión, y no le encontraba una forma adecuada. Quería filmar un largometraje, pero tampoco me sentía capacitado para enfrentar semejante empresa todavía. En una sala de edición, si mal no recuerdo con Maro y quizás con Emi también, la idea surgió: Un largo de cortometrajes en que cada director, a partir de su estética personal encarara el problema del Deus ex machina como fin y no como solución.

Entonces la enumeración de los potenciales participantes del proyecto, la propuesta en general y el desafío en la redacción de los guiones, una primera presentación del proyecto a Mario Santos y a Manuel Antín un 10 de Enero del 2005, el rodaje de "No es un corto de hadas" en mitad de Enero para dar comienzo a todo, la semana siguiente la maratón de rodajes en 5 días de "Etiqueta negra"-"El sueño de la piedad"-"Tefilin", luego una pausa hasta el accidentado y ecléctico rodaje de "Falcon Verde" parte en Febrero y demás partes en los meses siguientes, "Aguante la pizza" en fines de Febrero (para luego ser concluída un mes después), "Ruido" íntegramente en una jornada (si mal no recuerdo, a lo sumo dos) en Marzo, el final modificado de "Etiqueta negra" en Mayo o Junio, y finalmente, para cerrar la etapa de rodajes, "La Copa" con su intenso rodaje en la mitad de Julio.

Luego fue la edición caótica de los cortos por separado, a veces unificados entre Maro y yo, dos o tres presentaciones a Mario Santos con Work in progress y demás (el primero de ellos con un DVD que mágicamente desapareció), la edición de imagen definitiva ya a mediados del 2006 (cuando ya estaba dado por perdido el proyecto por la mayoría de sus participantes), los debates y propuestas para filmar separadores de los cortos, la extensa edición de sonido en Septiembre hasta Enero del 2007, la mezcla de los cortos en Marzo y Abril, hasta su conclusión hace tres o cuatro semanas, en Junio.

Y entonces, "Deus ex machina" es lo que es: un ejercicio de alumnos de 3er año, algunos filmando su primer corto, otros, filmando su primer corto "serio", otros, filmando un corto más, pero todos aprendiendo algo de la experiencia. En algún momento creí que este proyecto había perdido unidad, que había quedado una cosa heterogénea, cuyas partes se repelían entre sí y no eran armónicas en absoluto. Creo que el resultado es heterogéneo, para nada brillante en su forma, creo que hay partes que se repelen entre sí y creo también que hay falta de armonía en general, pero aún sigue teniendo una unidad. Justamente, creo que se llegó a aquel ideal original: Un largo de cortometrajes en que cada director, a partir de su estética personal encara el problema del Deus ex machina como fin y no como solución. Con eso solo, estoy satisfecho. Espero que mis compañeros de equipo: Dolores Montaño, Fabrizio Castro, Emiliano Iglesia Albores, Alejandro Gatti, Leo Senderovsky, Mariano Juarez y Guido Segal, también lo estén.

Y quiero concluír (para quien haya tenido la audacia de leer hasta aquí), agradeciendo a todos los que intervinieron para que esto, con todos los tumbos que ha tenido en el camino, llegue al menos a ser concluído, que sinceramente es lo que más me gratifica. A Mario Santos, por el apoyo de siempre de incluso proyectos tan descabellados como este, a Maria Marta Antín, quien intervino para la proyección a realizarse, a Miguel G. Massenio, quien nos bancó y alineó los planetas para que podamos editar el largo el tiempo que hiciere falta, a Daniel Mosquera y Ana Mouriño, quienes toleraron desde los originales insultos de Juancito hasta "el momento power" de Gatti, con quienes convivimos más de seis meses y siempre fuimos recibidos con la mejor de las ondas, a Matías Gonzales Hidalgo, quien pasó de ser un mero operador de sonido a involucrarse en el proyecto y trabajar con nosotros aportando ideas y opiniones, a Rodolfo Otero por el "deus ex machina", a Luis Facelli por los consejos, y a tanto otros que no llego a nombrar y que ya se verán en los agradecimientos de la pelicula. Desde ya, ¡Muchas gracias a todos!

ZODÍACO de David Fincher

Después de 6 años de espera llegó una nueva película de David Fincher, esta vez basada en un best seller que cuenta la historia del Asesino del Zodíaco que atormentó California entre finales de los sesenta y gran parte de los setenta, hasta terminar a principios de los noventa. Con una duración superior a dos horas y media, la película se puede dividir en dos partes. Una primera investigación encabezada por el policía Toschi (Mark Ruffalo, un grande) y su coequiper Armstrong (Anthony Edwards en un papel con cabello), el periodista policial Paul Avery (Robert Downey Jr, gracioso y adicto a todo) y el caricaturista Robert Graysmith, en el cual esta basado la película, interpretado por Jake Gylenhaal. Esta primera mitad narrada las idas y venidas de la investigación, las pistas falsas o las que se dejan de lado, la burocracia del estado, la presencia de un probable culpable y la imposibilidad de arrestarlo, el descarte de sospechosos, la increíbles cantidad de testimonios y pistas, y los varios asesinatos que produce el asesino del Zodíaco con sus respectivas cartas que manda al San Francisco Chronicle. Hay una segunda parte, a finales de los setenta encabezada por Gylenhaal en su investigación personal de los asesinatos, atando cabos sueltos de una investigación que les consume la vida a sus tres protagonistas.

Sin sus clásicos juegos visuales o sus intrincadas vueltas de tuerca narrativas Fincher usa un estilo más clásico haciendo hincapié en sus personajes y en sus obsesiones. Sin embargo, la perfección de sus encuadres, lo jugosa e interesante de su propuesta sonora (gran diseño sonoro de Ren Klyce, especialmente en las músicas de toda la primera media hora) y lo preciso de su puesta en escena se nota en cada fotograma del film. La reconstrucción de época (y la invisible utilización de efectos visuales para lograrlo) es exacta, la música de David Shire es setentosa (no por nada él fue el compositor de The COnversation y All The Presidents Men) y la fotografía en HD (DF: Harris Savides (Elephant) es la mejor utilización del digital vista desde Collateral. Aqui, la alta definición es imperceptible, sólo vemos una increíble fotografía, de una belleza increíble en las tomas nocturnas. Las escenas de asesinatos son duras y violentas, con suspenso y terror.

Tal vez este film no este a la altura del Fincher que todos amamos (y que muchos detestan), tal vez los últimos cuarenta y cinco minutos son excesivos (pero necesarios en el fondo para redondear la historia y no ser el típico film de asesinos seriales), pero Zodíaco es un film exquisito y necesario de ver, que se transforma en uno de los mejores films de este 2007.

Novedades

Amigos:

Les cuento que a partir del día de hoy comienzo a publicar críticas de cine en el portal español www.cine.com. Ya está publicada la crítica de "La conversación", de Coppola, y en breve publicaré críticas de "La comedia del poder" ("Borrachera de poder" en España), de Chabrol, y de "Quién dice que es fácil", de Taratuto. Pasen y vean cuando quieran.
Saludos...

LAS AVENTURAS DE ROMUALDO y LA MUERTE

NUestro amigo ROMUALDO se encuentra esta vez con la muerte en un encuentro que dara que hablar por su escandalosa manera de presentarnos el conflicto entre el bien y el mal.

Ademas: una tarareada para el recuerdo.

COMPETENCIA Y MUESTRA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS:

Anunciados ya los ganadores...

Mejor Cortometraje: ABC etc de Sergio Subero.
Y Menciones a Simpatía de Galel Maidana y Ana de Gabriela Trettel.

... Podemos decir que este año ha habido un par de buenos cortometrajes, muchos malos/malísimos y algunos medio pelo y varios mediocres.
Sergio Subero, ganador del principal premio. ¿Cuanto pagaste? No puedo creer que lo hayas ganado. ABC etc es un corto experimental de 19 minutos en el que vemos fragmentos de una película Super 8 que se va quemando con un sonido enrarecido de fondo. Sí, eso es todo el corto, o sea nada, o sea una mierda.
La mención a Ana de Gabriela Trettel es correcta, el corto se excede en su duración, llegando a los 23’ pero no aburre ni peca de lo que se llama “corto de minas”. La mención a Simpatía es una vergüenza, Galel Maidana, su director, debe ser el peor aprendiz de Jorge Polaco, sin su gracia y sin su provocación.
El resto de los cortos es desparejo. Desde la obra maestra de Juan Minujín: Guacho, un monólogo interior de un actor de teatro acerca de su vida y su padre; a Parece la pierna de una muñeca, el muy buen corto de Jazmín López; y por último: Ahora todos parecen contentos de Gonzalo Tobal, el corto es bueno pero bien la valdría un nuevo montaje, más corto; y finalmente el paupérrimo corto de Maximiliano Schonfeld Entreluces, una mediocridad total filmada por un niño sin una pizca de cine. Te entendemos Maxi, tal vez el cine todavía no haya llegado a tu pueblo de Entre Ríos.

Una constante se va repitiendo en todos los cortos, más aún en los de la Muestra: 1. el excesivo metraje de los cortos, los directores le rehuyen al montaje. Parece que montan exactamente lo que escribieron y filmaron, sin eliminar escenas o reducirlas en favor de la obra. 2. El enrarecimiento del sonido para darle peso al corto. Una mala costumbre de los cortometrajistas, enrarecer el sonido para quitarle levedad al asunto. Pocos zafan.

En la muestra, se salvan algunos: La guerra de Rodrigo Sánchez Mariño, el primer corto western del NCA con uno de los mejores trabajos sonoros a partir del off vistos hasta la fecha. Ella de Alejandro Montiel, un corto con conflictos de la misma gente que hizo UPA!. A C.Toker le dan unos análisis, no se anima a abrirlos, la despiden de su trabajo, encuentra a su novio en la cama con otra, se coge a un desconocido y emprende un viaje. Simple, bien hecho y en 12 minutos. Una tango de C.Cricenti esta bien: fútbol, juventud y S8 y Un Santo para Telmo de G. Stagnaro es de lo mejor: fútbol, pasión y un viaje entre retiro y la cancha lleno de obstáculos. Excelente. Primera Nieve de Pablo Aguero, ganador en Cannes, es tan bueno que no parece un corto, parecen escenas de un largo. Te espero es una mezcla de 21 gramos con Sexto Sentido abusando del enrarecimiento sonoro. Pero, LO PEOR DEL MUNDO es AUN de Sergio Brauer, una basura protagonizada por Carolina Fal, experimental y aburrida, sin ideas, lo dieron primero para que la gente no se fuera de sala. Inexplicable. El resto no vale la pena hablar demasiado.

Conclusion:

Directores con futuro: Gabriela Trettel, Juan Minujín, Jazmín López, Pablo Aguero, Alejandro Montiel, G. Stagnaro y R.Sanchez Mariño

Directores sin Futuro: Maximiliano Schonfeld, Sergio Subero y Sergio Brauer.
A los demás les damos una segunda oportunidad.

Estrenos + BAFICI

Aquí les envío breves reseñas de lo último que vi en cines. Las últimas dos las vi hoy.

Estrenos:

"Letra y música" (Dir: Marc Lawrence)

La película abre con la mejor secuencia de toda la película, el videoclip del tema "Pop goes my heart", de la banda "Pop". Videoclip que parece extraido de VH1, es lo mejor de la película, pero eso no desmerece para nada al resto. El guión parece estar escrito con el manual de Syd Field al lado, pero eso tampoco es un problema realmente. La película es una hermosa comedia romántica, previsible por momentos, con un muy buen timing, una pareja protagónica extraña pero con sorprendente química. Y lo demás... de bueno para arriba. Una estrella de la canción que curte la onda budista y hace que Shakira parezca un personaje absurdo y ridículo. Hugh Grant cantando muy bien, y Drew Barrymore, hermosa, y que de lo bien que entona en una escena da ganas de escucharla cantando el tema al final, frente al público, aunque eso hubiese sido demasiado obvio. Canciones que pretenden ser muy tontas y terminan siendo super pegadizas (yo me bajé la banda de sonido ni bien volví a mi casa), chistes inteligentes y burlas varias a las discográficas y a los realities bobos (que también remiten a VH1), y lo principal, eficacia para narrar el proceso de composición de un tema pop. Comedia sencillísima en su planteo, pero trazada con mucha inteligencia y más que buenas intenciones.

"300" (Dir: Zack Snyder)

Visualmente poderosísima, gracias a un trabajo de diseño por computadora que desprende imágenes virtuales justificadas por la trama (el trabajo final resulta mucho más coherente que, por ejemplo, "Sky Captain...", que procedía del mismo modo), y con un tono épico muy bien logrado. El problema a mi gusto es el exceso de violencia gráfica que, salvo un par de chistes, responde sin humor y con un tonito engolado, demasiado tenso, y bastante facho. Mi hermano la vio con los ojos tapados por la cantidad de decapitaciones. Yo le recomendé que vea "Sin city", menos soberbia, y con mucho humor y cinismo que acá se extraña bastante. Punto y aparte.

BAFICI:

"La marea" (Dir: Diego Martínez Vignatti)

La trama se reduce a los primeros minutos de la película. Luego de un accidente en el que mueren su marido y su hijo, una mujer se interna en un lugar alejado de la ciudad, en una casita cerca de la playa, en una zona de dunas. El resto es el transcurso del tiempo en la protagonista, que pasa del divagar, la supervivencia en zona salvaje y la fantasía, a la locura extrema. Excelente actuación de la actriz protagónica que sostiene una película en la que prácticamente no se necesitan palabras para narrar lo que sucede. Imágenes impactantes, planos bellísimos, sólo una duda: ¿Fue filmada en su totalidad en Claromecó? En mi opinión se ve cierta dicotomía entre los paisajes de dunas y playa (¿están filmadas allí esas imágenes?), y las imágenes de campo con molino y todo, que me transportaron inmediatamente al campo de mi zeide, ubicado en la zona de Villarino, cerca de Bahía y de Claromecó. Si está todo filmado allí, en Claromecó, es un verdadero hallazgo del director, la multiplicidad de paisajes que se observan en la misma zona. El problema a mi gusto es cuando el carácter contemplativo de todo el film se transmuta en un tono demasiado hondo, justificado, sí (solo por el principio), pero dramático al límite de lo intolerable. La secuencia final, y en particular el congelado último, me resultó demasiado feo, indignante, y desmerece gran parte del trabajo que sostiene muy bien durante toda la película. Una lástima porque, como dije, todo lo anterior me había resultado interesantísimo.

"Un pogrom en Buenos Aires" (Dir: Herman Szwarcbart)

El documental toma como punto principal de investigación el episodio muy poco conocido de la persecución de judíos durante la "Semana trágica", en enero de 1919. Lo que comienza y termina en un gran trabajo periodístico, es casi una excusa para hablar de otras cosas, como el yiddish y cómo se fue perdiendo tanto el idioma como todo el bagaje cultural que traía aparejado, y sobre todo, determina gracias a estos elementos, un enorme y valorable ejercicio de memoria colectiva. El documental está narrado por el director en primera persona, como todos los documentales de ahora, pero aquí no molesta para nada, porque el director es un vehículo necesario para transportar al espectador al camino de la investigación, como Sergio Wolf en "Yo no se qué me han hecho tus ojos". Me emocionó, me asombró por la información que se revela aquí por primera vez (y porque todo sucede cerca de mi casa, todo por Once), me dio ganas de volver a mi casa y seguir disfrutando música en yiddish, y sobre todo me devolvió una pregunta que siempre me la hice pero jamás me la pude responder: ¿Por qué nuestros abuelos no supieron ensañarnos a hablar en yiddish? Nos estamos perdiendo un mundo cultural, a la vuelta de la esquina, pero que debemos aprender a hurgar, debemos aprender a adentrarnos allí y rescatar el legado de nuestros ancestros.

"El hombre robado" (Dir: Matías Piñeiro)

La verdad es que no se que decir. Tenía pensado algunas cosas sueltas, pero acabo de leer la sinopsis que aparece en la web del BAFICI y coincido bastante con algunos términos. El término anacrónico inunda todo el filme. No por su carácter despectivo si no por su asociación con el mundo que toma, y que rodea a los jóvenes personajes de la película (museos, el cementerio de Recoleta, libros históricos, Rosas, y sobre todo, Sarmiento). El otro aspecto que traza toda la película es lo lúdico. Mercedes (María Villar, muy bella por cierto, si se me permite, y muy buena actriz, que sostiene toda la película), miente, corre, roba, juega. Hay robo de cosas (reliquias), robo e intercambio de novios. Todo parece desprenderse del film colectivo "A propósito de Buenos Aires", pero aquí sin convivir tantos elementos juntos de manera caprichosa, sino unidos por un guión bastante más sólido de lo que aparenta. La Buenos Aires que muestra parece estar filmada por un europeo mayor de sobretodo y sombrero, o por Filippelli, que es lo mismo, pero en realidad vuelve sobre la idea de anacronía, o rescate de aquello que está ahí desde hace siglos, habita con nosotros y nadie lo ve. Molesta un poco bastante que los jóvenes parecen ser enciclopedias abiertas, personajes que acopian información, hay tanto parlamento y tantas citas vertidas de modo que agota tanto a los personajes como al espectador. Justo cuando me preguntaba por qué la imagen del afiche de la película son los ojos de un gato, aparecieron los dichosos gatos, y queda a criterio del espectador entender ese signo, como tantos otros que aparecen. El todo molesta por momentos, y por momentos resulta particularmente fascinante. Muy bien dirigida. Dije demasiado para una primera visión, debería verla de nuevo para decir al respecto algo interesante. Pero pronto.

10 razones de por que UPA! Una Película Argentina es lo++++++:

1. Antes de comenzar la función regalaron chupetines.
2. La escena de Giralt y su novio en la cama, él queriendo coger y su novio no.
3. La música de la peli en general.
4. Camila Toker hablando con la madre acerca de protagonizar una película, pasando de la emoción a la tristeza por que no cree que le vayan a pagar.
5. Giralt yendo a buscar a Toker al teatro y las palabras del director de teatro: “Esto no es cine, acá ensayamos”
6. Los actores secundarios como “Natalia, la asistente de producción” o “La maquilladora”. Geniales.
7. Giralt yendo al baño con la noruega para darse con merca durante la filmación.
8. El sindicalismo del sonidista. “No hay nadie del sindicato acá? ¿No? Estamos desprotegidos”
9. La batalla de puteadas entre Toker y Giralt al final de la película. Un glosario de insultos desde “Enana de mierda”, “Puto” y “Godard con pala”.
10. El rap del final sintetizando todo que significa ser “cineasta independiente”. “No es que seamos diferentes, los chicos del cine independiente”.

Veánla cuando puedan, votenla, denle una mano, tiene onda y no aburre, hace reir que no es poco.
Eso si, es para un publico cerrado, el estudiante de cine.
Esperemos que estrenen (no en el MALBA!!!!) o amplien o ganen algo.

BAFICI 2007: Primeros Días

Estudiantes de cine, gente, shopping, almohadones en el piso, catalogos, blanco y negro, puaj!

FOR YOUR CONSIDERATION de Christopher Guest
C.Guest es uno de los creadores de THIS IS SPINAL TAP... y director de BEST IN SHOW (acerca de los concursos de perros) y MIGHTY WIND (acerca de las bandas folk) y ahora de FOR YOUR CONSIDERATION donde se vuelve a rodear con sus compañeros de películas anteriores, entre ellos el magistral Eugene Levy (aqui co-guionista). Sus películas anteriores eran del género mockumentary, falsos documentales, y sin embargo, esta se debate entre la ficción y los programas de chimentos hollywoodenses para contarnos la historia de una película de cuarta y del rumor que aparece en un blog de Internet que dice que será nominada al Oscar. Guest da un panorama hollywoodense retratando a los agentes, actores que están de regreso, estrellas en ascenso, directores, guionistas y productores que solo le dan bola a la película cuando empiezan los rumores. En comparación con sus obras anteriores esta es floja aun cuando muchas situaciones causan risa, pero se desaprovechan muchos personajes secundarios interesantes como el agente compuesto por Eugene Levy o los guionistas interpretados por sus compañeros de Spinal Tap. Con cameo de Joe Satriani incluido.

THE SCI-FI BOYS de Paul Davids
Documental Tributo a las películas de monstruos de los 50 y como estas influyeron en toda una generación de cineastas como John Landis y Peter Jackson y a artistas de maquillaje y efectos especiales como Dennis Murren y Rick Baker. Los verdaderos homenajeados son Ray Harryhausen, George Pal y el tío Forry (creador de una revista de Monstruos en los 50-60). Lo mejor: el rescate de viejas películas Super 8 en que los grossos de hoy día eran en ese momento pequeños inventando monstruos y animando caseramente dinosaurios con stop motion. Y el testimonio de Landis diciendo que Ed Wood Jr. Fue a la premier de su opera prima. Lo peor: la ausencia de testimonios de Joe Dante y la ausencia de Georges Melies entre los homenajeados.

A GIRL IS A GIRL de Reginald Harkema
Una combinación entre el Godard de los 60, Singles de Cameron Crowe y High Fidelity con resultados excesivamente de cine independiente. Es la historia de un muchacho y sus sucesivas novias, con una primera mitad más experimental y una segunda parte más narrativa. Se pasa, pero no asombra.

MÚSICA NOCTURNA de Rafael Filippeli
Con Enrique Piñeyro en el protagónico y demasiados cameos de jóvenes “directores” (llamados los filippeli Boys, su sequito personal). Cuatro noches en la vida de una pareja intelectual de 50 con la irrupción de un famoso novelista que los visita desde España. Con algunos diálogos excesivamente impuestos y exclamativos de cultura, algunas actuaciones acartonadas y una introducción y un final que se alarga insoportablemente. Aun así la pelí goza de una excelente fotografía (gran trabajo de Fernando Lockett, gran DF, no tan buen cámara), un desarrollo interesante (incluyendo la aparición de Federico Esquerro cantando en una banda cuya única letra es Puta,puta,puta,puta...), planos linklaterianos en steadycam por una ciudad nocturna europeizada en la cual se va caminando inverosímilmente desde la Recoleta hasta la costanera y una gran cantidad de música clásica, por que en palabras de Filippeli: “Si la escena es mala y tiene Bach de fondo, no es tan mala”.

CORTOS DE DANIELA CUGLIANDOLO
Retrospectiva de cortos en super 8 de carácter experimental, con música tecno rara y editados en su mayoría en cámara. Interesante, pero hasta ahí.

10 películas de los 70 que todo estudiante de cine debe ver:

En la década del 70 no sólo hicieron películas los Coppola, los Scorsese, los Allen y los De Palma, hay toda una segunda línea de directores que hicieron peliculas igualmente de interesantes y cuyas influencias llegan hasta hoy día.

1. ROLLERBALL (1975) de Norman Jewison.
Prima Hermana de LA NARANJA MECÁNICA pero en un mundo más corporativo y más violento. Heredera del género “negative dystopias” al igual que “1984” o “Brave New World” nos cuenta de un futuro donde intercambiamos nuestra felicidad por un poco de tranquilidad. Un deporte violento y popular visto en todo el mundo como el Rollerball, un protagonista que se debate entre el sistema y el ser (estupendo James Caan) y un mundo donde ya no hay más países, solo corporaciones.

2. SHAMPOO (1975) de Hal Ashby
Hal Ashby es uno de los realizadores menos valorados por el público contemporáneo, algunos directores lo citan como influencia directa para sus películas como Soderbergh en “Un romance peligroso” donde quiso combinar a la Ashby la comedia y el drama. Las aventuras de un peluquero (Warren Beatty) que se hace pasar por homosexual para conquistar mujeres, entre ellas Goldie Hawn y Julie Christie con un contexto político de fondo.

3. THE FRENCH CONNECTION (1971) de William Friedkin
Antes de hacer EL EXORCISTA Friedkin supo llevarse todos los Oscars con este drama policiaco donde dos policías interpretados por Gene Hackman y Roy Schreider intentan desbaratar los planes de un traficante de drogas interpretado por Fernando Rey. Contiene la mejor persecución de autos de toda la historia del cine (mejor que BULLIT con Steve McQueen), un montaje acelerado y veloz inédito para la época y la magnifica secuencia del desarmamiento de un auto para buscar droga.

4. MIDNIGHT EXPRESS (1978) de Alan Parker
Alan Parker dirigió esta película escrita por Oliver Stone que nos cuenta de como no debemos contrabandear heroína afuera de Turquía, mucho menos siendo americanos ya que todo se nos puede ir al carajo y pasar años en la peor prisión del mundo con guardias malvados y prisioneros traicioneros. Contiene una magnifica escena de el protagonista (Brad Davies, que creo después irónicamente cayo en las drogas) habla a través de un vidrio con su novia (que logro irse de Turquía cuando lo arrestaron a él) y ella le muestra las tetas para que él se pajee.

5. THE DEER HUNTER (1978) de Michael Cimino
Cimino nunca volvió a ser el mismo después de EL FRANCOTIRADOR, después de esta peli fundió a los estudios Orion con su peli HEAVEN’S GATE. Sin embargo, supo entregarnos esta masterpiece de casi 3 horas con un Robert De Niro barbudo, una jovencísima Meryl Streep, un trastornado de la guerra que supo ser mejor amigo como Christopher Walken y ser la ultima peli de John Cazale (Freddo en EL PADRINO). Una gran tragedia, que va de Pennsilvania a Vietman, de vuelta a casa y a Vietnam para un final excepcional. Ruletas Rusas, De Niro corriendo desnudo y todos borrachos cantando “You’re just to good to be true”, ya me dan ganas de verla de nuevo pero en 2:35 y no en el formato tele como siempre se vio.

6. ALL THE PRESIDENT’S MEN (1976) de Alan J. Pakula
Pobre Pakula, gran director de thrillers políticos, muerto hacia finales de los 90 (recuerdo leer su muerte en los diarios) y ahora gran olvidado de la historia. El escándalo Watergate tal como lo investigaron Woodward y Bernstein, Robert Redford y Dustin Hoffman, bah! El lindo y el gracioso. Film intenso, denso y con brillante guión que da una clase de suspenso aun cuando sabemos como termina todo.

7. THE TOWERING INFERNO (1974) de John Guillermin & Irvin Allen
La mejor película catástrofe de la historia. Otros filmes como TERREMOTO y AEROPUERTO no le llegan ni a los talones (aunque la primer aeropuerto es muy buena) a esta obra genial del cine catástrofe donde un gigantesco rascacielos se incendia y la gente queda recluida en los pisos superiores, donde la salvación parece imposible. No hay dos mejores héroes que Paul Newman y Steve McQueen ni mejores co-stars que William Holden, Faye Dunaway, Fred Astaire y Robert Vaugh.

8. NETWORK (1976) de Sidney Lumet
Un periodista se vuelve loco y anuncia su suicidio en vivo para la semana que viene en medio del noticiero nocturno, nadie le presta atención, hasta que se dan cuenta. Así, sin quererlo comienza la sátira más grande acerca de la televisión con una lucha entre el periodismo serio y la televisión espectáculo. Peter Finch (como una mezcla de Rial con Chiche Gelblung), Faye Dunaway (como una inescrupulosa directiva del canal que ve en el quilombo guita y audiencia) y William Holden (como alto directivo del canal) son los protagonistas de NETWORK con guión de Paddy Chayefsky y dirección de Sidney Lumet (también director de DOG DAY AFTERNOON, otra joya setentista).

9. KRAMER VS. KRAMER (1979) de Robert Benton
Mama Kramer (Meryl Streep) abandona al workcoholic Padre Kramer (Dustin Hoffman) y a su hijo (Justin Henry). Todo se desmorona para Papa Kramer, su trabajo, su casa, la relación con su hijo, tiene que convertirse en Padre, estar presente en su casa, preocuparse por alguien más que si mismo, cambiar de trabajo, y cuando re-aparezca Mama Kramer luchar por la custodia de su hijo. Benton nos demuestra que para hacer una escena de gran emotividad no se necesitan palabras, sólo padre e hijo haciendo un desayuno juntos.

10. DAYS OF HAVEN (1978) de Terrence Malick
Segunda película de Terrence Malick, después de BADLANDS (1973), y con Richard Gere y Brooke Adams como protagonistas. Narrada desde el punto de vista de la hermana de ella nos cuenta como Gere y Adams trabajan en el campo y se hacen pasar por hermanos para quitarle la plata a un rico estanciero en los años 20/30 que creen se esta a punto de morir. Magnifica fotografía de Nestor Almendros, se nota como Malick filmó, filmó y filmó hasta e

TRAILER EL IDIOMA DEL CORAZON

La mejor obra del mundo ahora en George Clooney!!!

Dejennos saber si realmente quieren ver al peli...